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Identidad, arte y storytelling: la propuesta cultural de Daft Punk más allá de la estética

  • El dúo parisino analizó el vínculo entre el ser humano y la tecnología en las distintas expresiones de su puesta en escena
  • El anime, la moda y el espacio exterior constituyen algunos elementos constantes de su universo y mitología

Buy it, use it, break it, fix it, trash it, change it, mail, upgrade it
Charge it, point it, zoom it, press it, snap it, work it, quick erase it
”.

Es probable que al leer esas letras una melodía muy concreta haya acompañado tu lectura. El ritmo de la música electrónica y los sintetizadores de Daft Punk se han convertido en un elemento fácilmente reconocible, incluso para aquellos que no se consideran fans del dúo francés. “Technologic” es uno de los temas más populares y relevantes de los creados por Guy-Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter, pero es también un ejemplo audiovisual que demuestra la aportación de la banda a la cultura popular global.

Daft Punk ha sido uno de los grupos más importantes -y probablemente el más influyente- en la historia de la música electrónica. El pasado 22 de febrero, tras 28 años de carrera en los que han revolucionado la forma de concebir el proceso creativo musical, el grupo anunciaba su separación. En esas casi tres décadas de trayectoria profesional, el dúo parisino logró trascender las fronteras de lo musical apostando por un concepto único que combinaba imagen, sonido, letras, estética y discurso narrativo.

El avance de las nuevas tecnologías alteraría tanto el sonido de su música como sus métodos de hacerla y experimentarla

Navegaron los años de mayor transformación de la industria musical, no solo en una cuestión de géneros y temáticas, sino también desde el punto de vista de los formatos. Se guiaron por las influencias musicales del rock clásico de su infancia, jugaron con las tendencias de música techno contemporánea y conectaron con los eternos ritmos del pop. Además, en los albores de internet, los dispositivos móviles y la burbuja de las puntocom, se auparon en el avance de las nuevas tecnologías, algo que alteraría tanto el sonido de su música como sus métodos de hacerla y experimentarla.

Su voluntad vanguardista y su obsesión con el zeitgeist, combinada con un constante homenaje a las bandas de las décadas de los 70 y 80 que les sirvieron de inspiración, se vieron reflejadas en sus letras, sus videos y su puesta en escena. Una de las claves de su éxito fue una meditada y trabajada imagen, elaborada casi artesanalmente, que rompía con los acelerados ritmos productivos de la industria de la música.

De Homem-Christo y Bangalter crearon un proyecto cultural asumiendo posiciones diversas, desde músicos hasta ingenieros de sonido pasando por directores creativos; tratando en todo momento de no perder el control sobre su propia capacidad artística. Esto les permitió crear una imagen y una marca sólidas, identificables y escalables que les acompañó en sus distintas expresiones, ya fueran musicales, visuales o publicitarias.

En este artículo repasamos algunas de los elementos constantes de su storytelling, de la comunicación de su identidad y de su propuesta artística:

La dicotomía de la tecnología

Dance, techno, french house, rock, synthpop… todos ellos han encontrado cabida en la discografía del dúo parisino. Daft Punk se caracterizó por una arriesgada combinación de géneros, pero siempre en el marco de la música electrónica. Y, en consecuencia, la tecnología y la innovación han estado muy presentes en su proyecto audiovisual.

La máxima expresión se encuentra en su apariencia de robots futuristas, una decisión artística y conceptual que consolidaron en 2001 con su segundo disco, “Discovery”. De Homem-Christo y Bangalter optaron por esconderse bajo ese aspecto "para combinar las características de los seres humanos con las de las máquinas", según admitieron en una entrevista para Rolling Stone. De esta forma, durante gran parte de su carrera sus rostros han permanecido en el anonimato y ocultos en cascos de estética retrofuturista, uno plateado y otro dorado, en los que en ocasiones mostraban mensajes e imágenes.

A pesar de que la tecnología se constituyó como el pilar de su identidad, la unión entre los seres humanos y las máquinas es algo sobre lo que el dúo reflexionó desde la crítica. En “Electroma”, película de 2006 dirigida y coescritra por Daft Punk, los músicos recrearon un futuro distópico en el que la Tierra ya no existían los humanos, sino que se hallaba poblada por robots con máscaras características del grupo. Placas base, circuitos, cables o paneles de control son algunos de los objetos tecnológicos que pueden observarse en la cinta.

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En la cinta experimental, considerada una obra de culto, dos robots tratan de adquirir forma humana, siendo perseguidos y rechazados por ello, y autodestruyéndose en el proceso de búsqueda de su identidad. Algunos entienden esta producción como una crítica al status quo y a una sociedad que no está nunca preparada para evolucionar, mientras que otros aseguran que se trata una denuncia a un mundo en creciente tecnificación y que alinea y homogeneiza la naturaleza humana.

El vínculo entre las personas y las máquinas, así como los efectos adversos de la tecnología, fue explorado a través del concepto de los humanoides, los androides y las formas antropomorficas. En el videoclip de “Technologic” un siniestro bebé robot recita las letras de la canción desde una suerte de púlpito acompañado de Daft Punk, mientras la lírica se proyecta también en pantallas de televisión. Un fondo de color rojo intenso subraya la agresividad y violencia latente de la figura protagonista.

Con actitud vanguardista y cierto posicionamiento antisistema, las máquinas son un elemento que De Homem-Christo y Bangalter han incorporado también en sus colaboraciones con otros artistas. En “Stronger”, el dúo sometía al rapero Kanye West a una suerte de intervención quirúrgica con instrumentos de precisión, y se convertía en una amenaza que las fuerzas de seguridad intentaban contener.

Una mirada al espacio exterior

Como parte de su storytelling y proceso reflexivo sobre la naturaleza humana, Daft Punk ha mirado también hacia el espacio exterior. En su propuesta disruptiva y vanguardista, lo cósmico y lo interestelar se convirtió en uno de los pilares de la estética de su proyecto como nexo entre la tecnología y la humanidad, y artefacto para analizar los claroscuros de esa relación.

Tanto en las letras de sus canciones como en la puesta en escena de sus videoclips pueden encontrarse ciertos elementos extraplanetarios muy vinculados al imaginario popular generado por la producción cultural de la ciencia ficción y la fantasía. Es más, la videografía que compone “Discovery”, su segundo álbum de estudio, es un relato acerca de una banda alienígena que es secuestrada, moldeada con forma humana en una fábrica y obligada bajo control mental a cumplir las órdenes de un sello discográfico malvado.

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En esa secuencia de vídeos no solo se evidencia la crítica de la banda a ciertas aplicaciones tecnológicas, sino también al funcionamiento industrial de la música de las últimas décadas. “Nos queremos enfocar en la música. Si tenemos que crear una imagen de nosotros mismos, queremos que sea artificial. Una combinación que esconda nuestro físico y que muestre nuestra visión del star system”, defendieron en la mencionada entrevista en relación a su apuesta estética y la creación de su propio universo.

En esta misma línea, en su tema “Contact” (2013) exploraban el existencialismo, el concepto de lo desconocido y el misterio que esconde la posibilidad de que exista algún tipo de vida más allá de la Tierra. La introducción a esta canción es un fragmento de audio de la misión Apolo 17 cedido por la NASA, en el que se escucha al capitán Eugene Cernan describir lo que ve desde la nave espacial. “Cuando miramos hacia la Tierra, está arriba alrededor de las 11 en punto. Aproximadamente diez o doce diámetros. No se si te sirve, pero hay algo ahí fuera”.

El interés de De Homem-Christo y Bangalter por el espacio se vio también reflejado en sus colaboraciones con otros artistas, especialmente en los dos temas que crearon junto a The Weeknd. En “I Feel It Coming” el cantante canadiense habita un planeta rocoso que, con clara inspiración en la estética retrofuturista de las producciones cinematográficas de los 80, evoca a Marte. Imágenes de eclipses, alineaciones planetarias, constelaciones y estrellas se suceden para crear una atmósfera cósmica y misteriosa, esencia misma de la marca Daft Punk.

El lado oscuro de la televisión y los medios

Desde los inicios de su trayectoria musical, el dúo francés convirtió la ocultación de su identidad en un alegato antisistema, cercano a los movimientos contraculturales. Cuando todavía no habían constituido Daft Punk como tal, sino que formaban parte del grupo Darlin’, acostumbraban a disimular sus rostros con antifaces y caretas. Y antes de diseñar sus icónicos cascos de robots, concedían entrevistas a los medios con la cabeza cubierta con bolsas de tela negras. Además de ser una forma para separar su imagen física de la creativa, se trataba de una postura cuasi política para no mostrarse en fotografías o televisión.

Ese halo de rechazo hacia ciertos aspectos de los medios se materializó, como no podía ser de otra forma, en la letra de sus canciones y también en el universo y mitología de sus videoclips. “Television Rules de Nation” es uno de los temas que mayor alusión hace a esta forma de comunicación. Además, muchas de sus creatividades comenzaban con una gráfica que emulaba el inicio de un programa televisivo.

No obstante, ”The Prime Time of Your Life” contiene uno de los discursos más afilados respecto a la televisión. En el video se muestra a una joven que tras ver que quienes aparecen en los programas, concursos y anuncios son esqueletos, se deshace de su propia piel y musculatura para emularles y adquirir su misma apariencia. Al final de la pieza, al ser descubierta por sus padres, se deduce que su percepción ha sido alterada por los mensajes emitidos desde el medio.

Referencias constantes a la propia música

Junto a la tecnología, la música ha sido también uno de los aspectos persistentes de la estética de la pareja y ha sido uno de los rasgos característicos que les ha permitido conquistar el corazón de los aficionados de distintas generaciones. Daft Punk apostó por la presencia de instrumentos y elementos musicales como una forma más de introspección y análisis de su propio proceso creativo, así como vía para reflejar sus fuentes de inspiración y homenajear a los grupos que más les influyeron a lo largo de su trayectoria profesional.

En “Da Funk” (1996) una figura antropomorfica, mitad hombre mitad perro, se pasea por las calles de la ciudad mientras escucha música en su boombox; mientras que en “Robot Rock” (2005) una guitarra eléctrica de dos mástiles se convierte en absoluta protagonista de una pieza audiovisual con claro aroma ochentero. Por su parte, una bola de discoteca, un tocadiscos para vinilos y las brillantes lentejuelas les sirvieron para conectar con el estilo disco de los 70 en “Get Lucky” (2013) junto a Pharrel Williams.

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No obstante, su vínculo con la música trascendió las barreras de lo material en “Around the World”. Según explicó en su momento Michael Gondry, director de la pieza, la creatividad es una representación visual de la canción. Cada elemento representa un instrumento diferente empleado en la producción del tema: los androides dan vida a la voz robótica; los atletas simbolizan el bajo; las nadadoras el teclado; las calaveras las guitarras; y las momias la caja de ritmos. Todos ellos se mueven repetidamente en círculos simulando la reproducción de un vinilo en un tocadiscos.

Una oda a la cultura japonesa a través del anime

“Interstella 5555: The 5tory of the 5ecret 5tar 5ystem” es uno de los títulos que conforman la filmografía de Daft Punk. Constituye la realización visual del disco “Discovery”, ya que cada canción, cada videoclip, constituye un fragmento de la cinta y supone un episodio o secuencia diferente en la historia del relato del secuestro y rescate de una banda de pop interestelar. Fue producida por De Homem-Christo y Bangalter y realizada por el dibujante de manga Leiji Matsumoto, creador de "Capitán Harlock" y cuya obra está compuesta por un extenso repertorio de space operas en estilo anime.

Daft Punk creía que las claves de la música dance eran el ritmo y su dinámica, dos elementos que también atraían a la gente hacia los dibujos animados. “En los dibujos animados y la música, puedes tener la libertad de hacer lo que quieras hacer. Puedes ser tan innovador e imaginativo como quieras”, declaró el dúo francés a Cartoon Network en 2001. De Homem-Christo y Bangalter se han declarado fans de animes clásicos, como “Candy Candy”, “Grendizer” o “Las supernenas”, y también de los modernos, como “Evangelion” o “Ghost in the Shell”, aunque siempre han admirado el estilo de la vieja escuela.

La razón detrás de la elección de este género se encuentra en la animación japonesa que la pareja vio de pequeños. “Es uno de los mejores recuerdos para nosotros y para muchos franceses de nuestra edad. Realmente queríamos hacer algo con eso porque nos complacía mucho, como un sueño de la infancia hecho realidad. Sabíamos que podría ser lo mismo para otras personas y esperábamos que pudieran identificarse con la animación japonesa que teníamos en Europa”.

La vinculación de Daft Punk con el anime resulta lógica desde el punto de vista de las temáticas que abordan en sus creaciones artísticas. El complejo debate sobre la relación entre la naturaleza y la tecnología ha sido desde siempre una cuestión importante en la sociedad japonesa, por lo que también se ha visto reflejado en este tipo de animación. La fantasía y lo sobrenatural son algunos de los temas principales del anime, especialmente con subgéneros como el cyberpunk y el meka, muy vinculados a la tecnología y sus efectos adversos para los seres humanos.

El interés por la moda

Al igual que con las tendencias musicales, Daft Punk se hizo eco de las distintas corrientes en la industria de la moda. En sus 28 años de trayectoria profesional, el dúo parisino transformó y adaptó su look en varias ocasiones, sin abandonar en ningún momento sus icónicos cascos robóticos. GAP, Louis Voutton, Dior o Yves Saint Laurent son algunas de las marcas de moda con las que el grupo mantuvo relación de cara al diseño de su estilo.

En sus comienzos, cuando aún usaban antifaces y máscaras grotescas, De Homem-Christo y Bangalter optaban por una estética que suponía un choque de estilos musicales, así como de la forma de vestir de la subcultura juvenil: grunge, contracultural, informal y colorida. Más tarde, el atuendo retrofuturista consolidado con la llegada de los cascos se completó con guantes metálicos. Sin embargo, se establecía un peculiar contraste entre los elementos tecnológicos y la ropa que solían usar: camisas de tonos vivos, trajes sin corbata, volantes, etc.

El enfoque casual chic desapareció paulatinamente para dar paso a una línea más minimalista y madura, marcada por la influencia rockera y motorista. Así, a mediados de los 2000, el dúo vestía habitualmente con cazadoras y pantalones de cuero y lucían cremalleras doradas y tachonados en la espalda con el emblema de Daft Punk. Para la gira internacional “Alive” (2007), la compañía Enlightened Design creó dos trajes de cuero con LED especiales que brillaran en la parte inferior

La apuesta por la sobriedad, los colores oscuros y el smoking llegó de la mano del diseñador Hedi Slimane, quien fue director creativo de Dior Homme -la línea de ropa masculina de Christian Dior-, e Yves Sanit Laurent. Ante el lanzamiento de "Get Lucky" , Slimane vistió al dúo para la ocasión y creó de una chaqueta de glitter negro con nombre propio "Le smoking".

Todo ello les permitió ahondar en su diferenciación respecto a otros artistas del mercado y definir los rasgos de su identidad. Apostar por el fortalecimiento del vínculo entre moda y tecnología se convirtió en uno de las principales herramientas del dúo para expresar la evolución de su música, posicionarse como una marca dinámica y potenciar su propuesta artística en torno a la innovación.

Un escenario piramidal que lo cambió todo

Daft Punk llevó su imagen inspirada en cyborgs al siguiente nivel en su actuación en el festival Coachella del año 2006, con un espectáculo que estableció los estándares para los espectáculos de música electrónica en directo que pueden contemplarse hoy en día. Aquella pirámide construida por la empresa Bionic League para la gira internacional “Alive” cambió la percepción en torno a los conciertos de música electrónica en vivo: ya no bastaba con apretar el play para reproducir un tema preparado, sino que había que dotar al espectáculo de una experiencia visual.

Sus participaciones como cabeza de cartel en los festivales de música más grandes del mundo durante aquel año se realizaron desde lo alto de una enorme pirámide con pantallas LED, y son recordados como algunos de los espectáculos más comentados de la última década. The Times describió su programa como un “memorable espectáculo sensorial, deslumbrante y ensordecedor”.

Más allá de presentar un fantástico espectáculo de luces y robótica, Daft Punk colocó todo un estudio de equipamiento en el escenario. La estructura estaba completamente equipada con software, sintetizadores y equipos visuales, lo que les permitía hacer música en el momento, en vivo, como se esperaría que hiciera cualquier otro intérprete de pop o rock del momento. Así lo describía el propio Bangalter en una entrevista a Billboard en 2007: “Controlamos la música y algunas de las señales con las luces. Se vuelve técnico. Disponemos de sintetizadores y mandos a distancia en la pirámide. Todo el equipo está en torres grandes y grandes en el costado, con controles remotos Ethernet. Queremos ser capaces de reproducir cosas en bucle, mezclar, filtrar EQ y transponer. Es un poco caótico”.

El dúo también confesó que la oportunidad económica que suponía Coachella les permitió elevar el listón,  hacer realidad sus alocadas ideas y ofrecer una experiencia única. “Nos enfocamos en lo que puedes obtener del programa: una experiencia intensa de música, luces y robots, con una delgada línea entre la ficción y la realidad. Ese es realmente el concepto de esta gira, que no era el concepto de las cosas que estábamos haciendo hace diez años”. La pirámide y su forma triangular se consolidarían como un símbolo esencial de Daft Punk.

Daft Punk - Epilogue

Personalidad, innovación, diferenciación y control artístico. Más allá de los ritmos, Daft Punk fue capaz de crear un universo propio, reconocible e intrigante, pero a la vez atractivo e identificable para los usuarios. Revolucionaron la música electrónica apostando por una estética y estilo únicos que trascendió las fronteras del audiovisual hasta convertirse en un proyecto cultural relevante e influyente que ha dejado huella en la historia.